Dictado por Sandra Massera - Clase II
En el siglo XX comienzan los cuestionamientos a la producción de la máquina -a excepción del Futurismo-. Es el primer gran cuestionamiento a los objetos en serie, por parte del inglés William Morris (1834-1936), con Arts and Crafts. Sus seguidores reivindicaron volver a la edad artesanal. Respetar el carácter de iniciativa único en la obra de arte. Duró muy poco y después ya nada pudo parar a la producción en serie. Luego vendrá la Bauhaus (la escuela de diseño alemana) y ya no habrá nada de malo con la producción con máquinas. Esta valorización de las máquinas empieza con el siglo XX. Más tarde aparecerá Andy Warhol con su Factoría y la producción en serie de sus empleados, desmitificando el concepto de obra única.
Donald M. Lowe (1929-2009) escribe la Historia de la percepción burguesa (1982). Es docente de la Universidad de Chicago. En las nuevas ciudades, a partir de la Revolución Industrial, con todas sus repercusiones en la vida cotidiana de las personas, el modo de vida acelerado, las ciudades explotando demográficamente, cambia la noción del tiempo y del espacio. Empieza la especialización del trabajo. Uno se especializa en algo pero no sabe nada del resto del proceso. En la Edad Media el manufacturero sabía de todo el proceso, pero ahora se compartimenta la percepción. Se empieza así a estudiar el fenómeno de la luz y esto culmina con el expresionismo. Los colores primarios. El ojo humano ve las sensaciones que vienen de la luz, de la longitud de onda. Los conos del ojo están sensibilizados para la percepción de la onda. Uno piensa que el amarillo es básico para crear pero en realidad es solo en imprenta. Los primarios fisiológicos son el verde, el azul violeta y el rojo. Los conos del ojo son entonces sensibles al color. Dentro del ojo está la membrana fotosensible que es la retina. Los conos están en el fondo del ojo (fondo de la retina). los bastones se acumulan en la periferia. Si el objeto está en el borde del campo visual vemos las luces y sombras. La naturaleza nos provee de una visión muy buena.
En la segunda mitad del siglo XIX se dibujó la rueda de los colores. En el siglo XX ya es un sólido; un cubo. Esto es lo que dibujó Josef Albers (1888-1976) en la Bauhaus. Escribe La interacción del color. Descubre la máxima de que la percepción siempre trabaja con lo que tiene al lado. Van Gogh (1853-1890) lo hacía pero cuando Gauguin (1848-1903) lo visitó le dijo que pintara amarillo sobre dorado y así empezó a no darle importancia a los complementarios. Monet (1840-1926) hace un sol naranja sobre un cielo violeta. Si uno muestra un cuadro verde al espectador los conos del ojo correspondientes al verde se cansan; pero si pongo naranja se ven con toda la potencia. Los impresionistas trabajan con los complementarios.
Los post-impresionistas empezaron a hacer mezclas; colores libres (Gauguin y Van Gogh). No son tan dependientes del efecto de los complementarios.
Las vanguardias del siglo XX marcan otra ruptura. Se altera la percepción social ¿Qué cambió al mundo en el siglo XVIII? Los medios tipográficos, que acercan la supremacía de la vista dentro delos nueve sentidos. La siestesia que se suma a los cinco comunes. Desde la Revolución Industrial la vista manda hasta hoy día. El conocimiento era objetivo (científicamente), visual y espacio-temporal (el colonialismo por un lado, y el tiempo que se comprime, por otro). Se le llama burgués a este orden perceptual. Domina una nueva clase social. Dentro del nuevo campo burgués suceden otros nuevos paradigmas.
Delacroix (1798-1863) trabaja con el estudio del color. Se lo conoce como un romántico francés. Por otro lado, Jacques Louis David (1748-1825). Era muy joven cuando pintó la muerte de Sócrates. Esto es la expresión del primer movimiento neo-clacisista. Sócrates se suicida por obedecer a la ley. La luz y la sombra son muy fuertes y predomina la fascinación por el volumen. Tiene una adoración greco-romana. Pinta también la muerte de Jean-Paul Marat, científico y médico francés (1743-1793). El brazo caído la convierte en una pintura trágica y melancólica. El romanticismo deviene del amor por los países extranjeros. Hay una sensibilización por el retrato individual. Marat, más que un estadista es un hombre derrotado.
Los propios artistas derivan hacia el romanticismo, con repercusiones directas hacia el Sturm und drang. Hay una fascinación por el destino individual. El claroscuro y los volúmenes lleva a lo estatuario. Esta rigidez de la primera etapa de David ha sido criticada. Los tema son o bien de actualidad o bien greco-romanos. Patroclo es representado en toda la medida del héroe romántico. Ellos nos miran. El pelo revuelto, con la energía del pathos. El héroe frente a su destino; derrotado por los dioses, a mitad de camino entre la vida y la muerte.
Hay una segunda colonización importante, una sensibilidad hacia otros mundos. La anatomía ya no tiene secretos. Se homenajea a los científicos como Antoine Lavoisier (1743-1794; prácticamente la misma vida que cursó Marat). Se aprecia cómo trabaja un científico. La luz y la sombra de Rembrandt (1606-1669; recomendada la película que Peter Greenaway realiza sobre el pintor). El retrato colectivo que David hace delos obispos demuestra una pincelada suelta de lo que está en el fondo. Napoleón sostiene la corona que se va a colocar a sí mismo (demostración de su narcisismo). Se ve también un David psicológico; que retrata la condición humana.
Dominique Ingres (1780-1867) pinta todas las posturas con cierta dejadez sensual. Pinta un tiempo de esas sociedades que ya no tenían los europeos. Es el nuevo concepto fotográfico que tienen estos artistas. Sus retratos se parecen mucho a los de David. Los colores y los detalles son de un refinamiento importante. Una mirada que no es ni religiosa ni política; es psicológica, dentro del mundo interior de la persona.Los retratos de los varones son más realistas, con la piel más áspera. A veces parecen pintores distintos por cómo se pinta al hombre y cómo se pinta a la mujer. El retrato de Louis-Francois Bertin (1766-1841), periodista francés, es bien distinto a lo que podría ser el retrato de una mujer. Ingres ya entra de lleno en el romanticismo. La mirada de una persona, su actitud, su ambiente, son muy importantes. En el retrato del joven poeta francés Lemoyne (1602-1671), se transmite el artista atormentado, desvelado, en la figura del dandy que surgirá en el siglo XIX. Esa personalidad empieza a gestarse en esa época. El contorno abierto y esponjoso... el pasaje de fondo y figura que no es del todo nítido. La mujer se idealiza, es virgen, simétrica, tensa. El concepto de las musas griegas se corporiza en cuadros de Ingres.
Antonio Canova (1757-1822) hace un retrato de Napoleón, con cuerpo atlético; ironizando. napoleón lo extradita a Italia. Hace también una escultura de Cupido y Psique. Creían con esto estar haciendo un homenaje a la antigüedad. El razonamiento y el erotismo se ponen en conflicto. Parece esculpido en el Renacimiento italiano. Las Tres Gracias son un módulo de un grupo más grandes de figuras, que viene de Creta, pues danzaban juntas en las fiestas del minotauro. Las priemeras Tres Gracias que se conocen son de un fresco de Pompeya. Rafael (1483-1520), Rembrandt, Rubens (1577-1640), Botticelli (1445-1510) y Canova tienen sus Tres Gracias. Los peinados tienen que ver con elm undo griego. Las proporciones de los torsos. Teseo, mítico Rey de Atenas, matando al minotauro con una diagonal heroica. Avanza en línea recta hacia su objetivo, extrangulando al monstruo. La iconografía del minotauro es variadísima y a veces los escultores lo cambian por centauros. Canova fue escultor oficial de Napoléon hasta que cayó en desgracia. El pathos, lo patético, se utilizaba como definición del ruego a los jueces para que les fuera perdonada la vida en la Antigua Roma. Es algo "fuera de tono" que proviene del ruego.
Keneth Klerk habla de la energía del pathos en el desnudo. Magdalena llora por Jesús con todo el cuerpo caído. El cráneo representa lo efímero de la vida. Algunos santos eremitas aparecen con un cráneo. La "Magdalena Penitente" es un tema iconográfico muy recurrido. Esto también tiene que ver con el retrato del individuo. Estas actitudes no era comunes en tiempos anteriores. Canova también esculpe a la hermana de Napoléon, en su chaise longue, como lo había hecho David. Notamos que no es un griego por el giro de la cabeza, la sugestión del desnudo, los esculpidos que se tapan. Se puede terminar comentando que para lograr esa suavidad de la piel tenían que pulir con arena.
Delacroix (1798-1863) trabaja con el estudio del color. Se lo conoce como un romántico francés. Por otro lado, Jacques Louis David (1748-1825). Era muy joven cuando pintó la muerte de Sócrates. Esto es la expresión del primer movimiento neo-clacisista. Sócrates se suicida por obedecer a la ley. La luz y la sombra son muy fuertes y predomina la fascinación por el volumen. Tiene una adoración greco-romana. Pinta también la muerte de Jean-Paul Marat, científico y médico francés (1743-1793). El brazo caído la convierte en una pintura trágica y melancólica. El romanticismo deviene del amor por los países extranjeros. Hay una sensibilización por el retrato individual. Marat, más que un estadista es un hombre derrotado.
Los propios artistas derivan hacia el romanticismo, con repercusiones directas hacia el Sturm und drang. Hay una fascinación por el destino individual. El claroscuro y los volúmenes lleva a lo estatuario. Esta rigidez de la primera etapa de David ha sido criticada. Los tema son o bien de actualidad o bien greco-romanos. Patroclo es representado en toda la medida del héroe romántico. Ellos nos miran. El pelo revuelto, con la energía del pathos. El héroe frente a su destino; derrotado por los dioses, a mitad de camino entre la vida y la muerte.
Hay una segunda colonización importante, una sensibilidad hacia otros mundos. La anatomía ya no tiene secretos. Se homenajea a los científicos como Antoine Lavoisier (1743-1794; prácticamente la misma vida que cursó Marat). Se aprecia cómo trabaja un científico. La luz y la sombra de Rembrandt (1606-1669; recomendada la película que Peter Greenaway realiza sobre el pintor). El retrato colectivo que David hace delos obispos demuestra una pincelada suelta de lo que está en el fondo. Napoleón sostiene la corona que se va a colocar a sí mismo (demostración de su narcisismo). Se ve también un David psicológico; que retrata la condición humana.
Dominique Ingres (1780-1867) pinta todas las posturas con cierta dejadez sensual. Pinta un tiempo de esas sociedades que ya no tenían los europeos. Es el nuevo concepto fotográfico que tienen estos artistas. Sus retratos se parecen mucho a los de David. Los colores y los detalles son de un refinamiento importante. Una mirada que no es ni religiosa ni política; es psicológica, dentro del mundo interior de la persona.Los retratos de los varones son más realistas, con la piel más áspera. A veces parecen pintores distintos por cómo se pinta al hombre y cómo se pinta a la mujer. El retrato de Louis-Francois Bertin (1766-1841), periodista francés, es bien distinto a lo que podría ser el retrato de una mujer. Ingres ya entra de lleno en el romanticismo. La mirada de una persona, su actitud, su ambiente, son muy importantes. En el retrato del joven poeta francés Lemoyne (1602-1671), se transmite el artista atormentado, desvelado, en la figura del dandy que surgirá en el siglo XIX. Esa personalidad empieza a gestarse en esa época. El contorno abierto y esponjoso... el pasaje de fondo y figura que no es del todo nítido. La mujer se idealiza, es virgen, simétrica, tensa. El concepto de las musas griegas se corporiza en cuadros de Ingres.
Antonio Canova (1757-1822) hace un retrato de Napoleón, con cuerpo atlético; ironizando. napoleón lo extradita a Italia. Hace también una escultura de Cupido y Psique. Creían con esto estar haciendo un homenaje a la antigüedad. El razonamiento y el erotismo se ponen en conflicto. Parece esculpido en el Renacimiento italiano. Las Tres Gracias son un módulo de un grupo más grandes de figuras, que viene de Creta, pues danzaban juntas en las fiestas del minotauro. Las priemeras Tres Gracias que se conocen son de un fresco de Pompeya. Rafael (1483-1520), Rembrandt, Rubens (1577-1640), Botticelli (1445-1510) y Canova tienen sus Tres Gracias. Los peinados tienen que ver con elm undo griego. Las proporciones de los torsos. Teseo, mítico Rey de Atenas, matando al minotauro con una diagonal heroica. Avanza en línea recta hacia su objetivo, extrangulando al monstruo. La iconografía del minotauro es variadísima y a veces los escultores lo cambian por centauros. Canova fue escultor oficial de Napoléon hasta que cayó en desgracia. El pathos, lo patético, se utilizaba como definición del ruego a los jueces para que les fuera perdonada la vida en la Antigua Roma. Es algo "fuera de tono" que proviene del ruego.
Keneth Klerk habla de la energía del pathos en el desnudo. Magdalena llora por Jesús con todo el cuerpo caído. El cráneo representa lo efímero de la vida. Algunos santos eremitas aparecen con un cráneo. La "Magdalena Penitente" es un tema iconográfico muy recurrido. Esto también tiene que ver con el retrato del individuo. Estas actitudes no era comunes en tiempos anteriores. Canova también esculpe a la hermana de Napoléon, en su chaise longue, como lo había hecho David. Notamos que no es un griego por el giro de la cabeza, la sugestión del desnudo, los esculpidos que se tapan. Se puede terminar comentando que para lograr esa suavidad de la piel tenían que pulir con arena.
