Teatro y cine
drama y autoficción
profundidad en la actuación
tiempo a lo que merece tiempo
detalles para la suspicacia
hijas, madres y padres
otoño cuando las hojas caen
dolores abortados
poética y terrenalidad
amor y arte
jueves, 19 de noviembre de 2020
domingo, 15 de noviembre de 2020
Volcano (Rúnar Rúnarsson, 2011)
Haneke de Islandia
un director de cine
conciente de que la cinta
es un todo
construyéndose a sí mismo,
profundidad en el drama
reconciliación con la muerte
el lugar en el mundo
tocar tierra para volver al mar
habiendo sanado una herida
Sicilia! (Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, 1999)
Parece que no fluye,
un how green was my valley muy brechtiano
el cine como amplitud artística
expresión de lo político
estimación al espectador
un cine inmediato que no es sencillo
Italia austera
desafiante apertura de conciencia
cinematográfica
sábado, 7 de noviembre de 2020
Mi querido hijo (Mohammed ben Attia, 2018)
Punto de vista de un padre
que busca heredar ls heridas
a un hijo que busca
al menos ser importante
y en el diálogo con la muerte
sentirse vivo
para que al comprender su sufrimiento
al menos libere una sonrisa
para regalarnos
parece simple y cotidiana
esconde una austeridad
en las mejores decisiones
comprende cada momento
de la película que está narrando
para que otra vez valga la pena
contemplar la pequeña historia
El Estudiante (Santiago Mitre, 2011)
Película independiente
por su valor estético,
político y militante,
una pareja encantadora
un intelectualismo que no es necesario entender
el amor como trasfondo
congruencia con la creencia
la máscara de la política
versus
la máscara de la verdad
domingo, 25 de octubre de 2020
High School (Frederick Wiseman, 1968)
Lupa al machismo,
sociedad "americana"
el adoctrinamiento educativo
la actualidad en tiempos que parecen otros
el cinema directo
solo el orden del montaje
la selección y el descarte
el punta de vista lo que mira
el documental y su potencia
la habilidad de Frederick Wiseman
se ve que lo ha hecho sabio
aun cuando se encontraba
al principio de su camino
domingo, 18 de octubre de 2020
Þrestir (Rúnar Runarsson, 2015)
Sobrio y directo como el paisaje
la masculinidad que aprisiona
las nuevas generaciones
la metafóricamente muerte de la madre
el amor abrazando el dolor
el mar innavegable
la mitología cotidiana
la adolescencia, el despertar
la familia, que aunque quebrada
deja un lugar para el canto angelical
y las fuentes termales para el gélido frío.
Sensible, austera, filmada con decisión.
Verla, removerse y amar este cine.
jueves, 15 de octubre de 2020
Bacurau (Juliano Dornelles & Kleber Mendonca Filho, 2019)
Metáfora de la gigante opresión
latinoamericana
en historia pequeña un tanto extraña
carece de profundidad
retrata la rebeldía
como impulsando la poderosa fuerza del espíritu
pero a pesar de ser un extraño western brasilero
que se pierde de ese género lo pulposo
no nos deja mucha cosa
ni nos lleva a ningún lado
veo que intenta sorprender
pero no me sorprende demasiado
miércoles, 14 de octubre de 2020
The Social Dilemma (Jeff Orlowski, 2020)
Publicitaria como el mercado que critica
Netflix se lava las manos y no asume
sus perversos algoritmos
su estrecha visión del cine
y nos presenta el peligroso mundo del consumo
del cual es parte y arquitecto
como si fuera un mundo ajeno
y el documental que se hace un pobre manifiesto
pretende iluinarnos
de algo que es historia de los medios
e información en cualquier revista neoyorkina...
dicho esto, siempre prefiero que se diga
lunes, 5 de octubre de 2020
Bitter Moon (Roman Polanski, 1992)
Una luna de miel amarga
en las buenas películas los títulos
son esa clave que todo lo sintentiza
cuando el amor parece perderse
cuando en el morbo está la desesperanza
y la cámara flota
porque es crucero y emociones chocantes
porque es la secret movie de Hugh Grant
porque es compleja
como el creador y su vida
porque se le escapa como agua
y porque tiene la vida de las buenas historias
y porque la fílmica forma
es decisión congruente
porque la decisión final
también destruye al patriarcado
jueves, 1 de octubre de 2020
Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960)
Una vez me preguntaron
por qué la cámara es lo más importante
en la narración de una película;
he recordado mi respuesta...
domingo, 27 de septiembre de 2020
The Man Who Knew Too Much (Alfred Hitchcock, 1956)
Si no narra no tiene lugar
cada secuencia es un deleite
cada tensión es una intriga
todo es una ingeniería perfecta
y después de todos estos hilos
manejados con maestría
se permite un cierre de comedia
con una sola acción
y un solo plano
Hitchcock (Sacha Gervasi, 2012)
Retrato de ficción
navega entre la parodia y la autobiografía
se deja entrever
algo de su psicosis
pero es algo penoso
que una película sobre él
descuide la forma fílmica
martes, 22 de septiembre de 2020
Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958)
Monumento al cine
complejo y personal
desde La hora del Lobo
hasta La isla ciniestra
la geometría de Kubrik
el travelling de Godard
la decisión siempre exquisita
nada librado al azar
y sin embargo
nada es controlado
todo es emoción
vive la muerte
muere lo que no aporta
y el vértigo se siente
tanto ahora
como después
como una libido
orgásmica
que mira percibe y siente
narra contempla y avanza
y se tonifica en carne
un tanto bastante espiritual...
después de este filme
ya nada pudo ser igual
sábado, 19 de septiembre de 2020
Hitchcock/Truffaut (Kent Jones, 2015)
Se distingue la maestría
de los genios
se retoman las cuestiones esenciales
se mira con otra conciencia
se fusionan el arte y el entretenimiento
se disfruta notablemente el documento
y por sobre todas las cosas
dan ganas de salir corriendo
a visitar y revisitar
todo lo que se pueda del maestro
viernes, 11 de septiembre de 2020
The Unknown (Tod Browning, 1927)
Siempre que veo joyas
del cine mudo
vuelvo a tocar la esencia
del buen uso del lenguaje
la síntesis narrativa
el discurso necesario
para hacer avanzar la acción
en una película corta
que profundiza en el dolor
y a la que no le sobra ni le falta
un solo cuadro
lunes, 7 de septiembre de 2020
La Ciénaga (Lucrecia Martel, 2001)
Incluso más viva que la vida misma
la masculinidad en su absurdo opresivo
precisión en lo que parece impreciso
impresición buscada
impresición decidida
en el dolor de Bolivia
toda la latinoamérica
en la imposibilidad de escapar
hacia una tierra que no tiene escape al mar
por cómo fluye uno no puede aguantar exclamar
lo que a veces el ojo solo entiende por buen cine
para que la amargura y sordidez
no sean de la película
sino de la realidad que se nos pone en la cara
porque siempre que se conserve la poesía
habrá un rayito de luz
en las espesas aguas
de esta ciénaga
domingo, 6 de septiembre de 2020
I'm thinking on ending things (Charlie Kaufman, 2020)
Pienso en un final
y no tendría muy claro el comienzo
qué es lo que comienza al fin y al cabo
a dónde va lo que desaparece
qué tan posible es desaparecer
Persona de Bergman
los otros hoorizontes del cine
tratarlo como poesía
estructurar y romper las estructuras
como un poema
como Godard sin la violencia de los cortes
pero una huella de eso queda
estamos adentro nuestro
adentro de ella
Kaufman y su mundo
intelectual
cuántico
y poético
sábado, 5 de septiembre de 2020
A Hora da Estrela (Suzana Amaral, 1985)
Lispector
Amargura
Decadencia
La vida como un estanco
Brasil en los ochenta
La soledad siempre la misma
solo la brujería un destino
lunes, 31 de agosto de 2020
Welcome to the Dollhouse (Todd Solondz, 1995)
Bien filmada
bien tratada
maltratada
por ser quién es
el bulling
la historia simple
las personalidades complejas
el calvario adolescente
la violencia asumida
por algo sucede que
al cine estadounidense
le sueltan la mano independiente
y saca a relucir la pudredumbre
y así los arquetipos
no son del cine ni de los personajes
sino de las personas
que cargan con ese peso
de enorme inconsciencia
y frivolidad
que ni se reconoce
ni se enseña
ni se vive en la verdad
que el amor necesita ser vivido
domingo, 30 de agosto de 2020
Closet Monster (Stephen Dunn, 2015)
Ningún aporte de cine
mucho de sensibilidad
imaginario metafórico
pero aunque se leen las buenas intenciones
su respirar independiente
la superficie
tal vez pudo ser un poquito
más profundo
en lo vincular,
de todas maneras vale verla
aunque quede lejana
de ser una película imprescindible
Happiness (Todd Solonz, 1998)
La cámara no solo elige el punto de vista
sabe navegar en el silencio del dolor
una película concreta
en la concretez de la infelicidad
obra de arte
potencia de lo teatral
permiso a las intensidades del drama
tomarse el corazón
mirarla
y soltar su sufrimiento
tan noble y suspicaz
martes, 11 de agosto de 2020
Siete Mujeres (John Ford, 1966)
Agria y venenosa hasta el último momento
liberación de la mujer
opresión de la mujer
colonialismos y masacres
religiones y machismos
es una belleza la contemporaneidad de John Ford
y cómo fluye su cine
ya no sé cómo decirlo
lunes, 10 de agosto de 2020
Pachamama (Juan Antin, 2018)
En el mundo de lo animado
donde hasta los cuerpos se inventan
y se visitan culturas
como quien pisa las hierbas
nacen estas historias
romantizadas por el cuidado
pero que tocan al mismo tiempo
estéticas de ayahuasca
sabidurías originarias
y opiniones de sutileza
para esos hombres de metal
vale verla y descubrir
algunas miradas propias
además de un encanto cromático
del que no es posible escapar
Sergeant Rutledge (John Ford, 1960)
Adelantado
como siempre
fundador de mucho cine
en el asunto de justicia
la esclavitud interminable
los asuntos del corazón
la complejidad de una sociedad y una persona
ningún escritor condiciona
ningún director le marca
una defensa moral al personaje
o un ataque del que no sepan defenderse
no hay moralidad
solo hay historias
que muestran el carácter más épico del cine
en la notable sensillez
machismo y feminismo conviven
en una dialéctica para el público
al igual que racismos y pacifismos
para que todas las estructuras se requiebren
en un abismo a la verdad
y ya no es lo que un director dice con su cinta
es la película quién lo cuenta
porque si ya tenemos tan claro lo que queremos decir
para qué hacerla y no escribir un manifiesto
por eso solo los genios
manipulan lo complejo
en la simpleza
y vuelven una y otra vez
a dar nacimiento
a la historia del cine
domingo, 9 de agosto de 2020
Tobacco Road (John Ford, 1941)
Lo que parece pequeño
al final es grande
y esos pequeños gestos tan fordianos
se vuelven humanos
y quienes no quieren irse del campo
tendrán lucha con la tradición y con el hambre
porque así de salvaje se presenta el capital
que parece no tener sentido
aún cuando existiera
y que trae la esperanza traicionera
de volver a ser distinto
tal vez el año que viene;
realidades sórdidas
sin aparentes vías de escape
se logran escapar
aunque sea en un instante,
los pocos personajes huyen de sí mismos
la violencia oprime por contexto
la comedia igual perdura
y el teatro se hace cine
sábado, 8 de agosto de 2020
Le llamaban Trinidad (Enzo Barboni, as E. B. Clucher, 1970)
Durante la etapa spaghetti
el western retoma el tema
de los buenos y los malos
y como decía Galeano
no te tomes en serio
nada que no te haga reír
y acepta que en la parodia
habrá la pérdida del lirismo
pues para eso es necesario
entrar al verdadero compromiso
pero al final de cuentas
y de ajustes a mano armada
se colará la humanidad
los dilemas éticos y heroicos
las estructuras que la humorada
necesita repetir
el verdadero paisaje
como el entorno de personajes
la imposible victoria del héroe patético
aunque de victoria sea su apariencia
es necesario notar
que algunos héroes
ponen el precio a su premio
que al fin y al cabo acepta
ese dilema social
en la cúlmine de su destino
y nos despedimos destacando
que la parodia también tiene
su placer de libertad
que una vez aceptada
parece un infinito camino al humor
domingo, 2 de agosto de 2020
Continuavano a Chiamarlo Trinitá (Enzo Barboni, 1971)
Comedia spaghetti western
dos hermanos analfabetos
y criados por una madre
son como imbatibles
a las peripecias del hombre blanco
las situaciones aumentan la jocosidad
uno se enamora y el otro es reacio
la humanidad no cala tan hondo
y las aventuras de estos dos hombres
solo terminan
porque el film no puede durar más
domingo, 26 de julio de 2020
Los ojos sin rostro (Georges Franju, 1959)
Verte para conocerte
y entender esta piel que habito
los planos son como síntesis
de la acción que va en suceso
y se detiene a mirar lo sangriento
para que entendamos lo bestial
y así seguir conociendo
en clave de horror-suspenso
a un director con ojos
pero sin rostro
a un fundador de cinematecas
y una vez más
a un director francés
e ir asentando bases
para que nazca la nouvelle vague
miércoles, 22 de julio de 2020
The Florida Project (Sean Baker, 2017)
Decadencia con altura
ironía de un sueño americano que no existe
adultos en manos de los niños
los vínculos circunstanciales
una puesta con conciencia
una película muy buena
de adultos estropeados
y en los niños la esperanza
de que todo vuelva a ser igual
¿Será?
Ellos sí saben creer
en la ilusión del Disney World
y el cine independiente
que siempre se las arregla
para que filmar
sea un acto de rebelión
y ser como ese árbol
donde lo muerto
igual sigue floreciendo
lunes, 13 de julio de 2020
El Dependiente (Leonardo Favio, 1969)
Agria y brillante
la dependencia mata
para entender el arte de dirección
la narración fílmica
la puesta en escena
en todos los sentidos de la expresión
la infelicidad buscando escape
el amor que busca salvarse
el patetismo tragicómico
la dependencia de otres
argentines a su cine
lo simbólico y lo bressoniano
la amargura latinoamericana
los corazones como puertas a lo social
el ángel y el demonio en cada plano
la cámara que dice en silenicio
y entonces ahora
quién continúa
semejante esclavitud
la cámara se calza al coche
y sale a pasar por el barrio
viernes, 3 de julio de 2020
Icaros (Georgina Barreiro, 2014)
La pregunta es
si el documental
la película
tiene una obligación moral
de acercarse a lo que no conoce
y para qué se acerca
y qué tanto va a llegar a conocer,
si debe ser
más independiente
de la imposición del ritmo
de lo que documenta,
si nos lo estamos preguntando
porque al fin y al cabo
es nuestra película
porque nunca parece alcanzarse
lo que de verdad intenta
porque siempre los retratados
conocen mejor su realidad
que nostros al visitarla
y entonces para quién lo hacemos
y qué nos pretendemos enseñar
o si todo realmente se termina
al visibilizar
o contemplarlo
y allí ya queda hecho mi trabajo...
con qué punto de vista estamos
mirando lo que miramos,
en una película
que igualmente alcanza
a invadir con el permiso
jueves, 25 de junio de 2020
Le Meraviglie (Alice Rohrwacher, 2014)
Somos cazadores
esperando ser cazados
y también somos el polen
esperando a ser miel
y nos decimos mentiras
por miedo a perder sueños
y nos agredimos sin saber
aun con el amor que hay en un regalo
vale la pena soñar
para recuperar
la maravilla de la vida
lunes, 15 de junio de 2020
El Bar (Álex de la Iglesia, 2017)
Ya me resulta muy artificial esa mirada
se anticipa cada movimiento del guión
las alcantarillas son una secuencia valorable
pero la película no construye una opinión
entretenimiento que al final
no conduce a ninguna parte
tengo la sensación de que su cine
va perdiendo alguna rebeldía
en una mirada que busca
acercarse más a Tarantino o a di Palma
que a Almodóvar o a Saura
High Sierra (Raoul Walsh, 1941)
Lucidez
de esos directores
que parecen mirar
la película mientras filman
capaces de perder un ojo
en una secuencia de acción
sin desperdiciar primeros planos
siempre una jugada por delante
como si narrar
fuera abrir y concretar
abrir y concretar
sabe tanto del relato
como del encanto del detalle
ironiza el código de censura
y construye actuaciones formidables
con actores que son hito
empatía absoluta con los héroes
atrapados sin salida
violencia y amor
viajan por la misma ruta
viernes, 12 de junio de 2020
Kumaré (Vikram Gandhi, 2011)
Provocativa
un segundo Borat
no importa la forma fílmica
y a fin de cuentas
genera una reflexión,
inteligente,
sensible
espiritual
lunes, 1 de junio de 2020
Lazzaro Felice (Alice Rohrwacher, 2018)
Con Scorsese produciendo
Alicia vuelve a animarse
a la fantasía del cine
humano y sensible en las maneras
la cámara pone en paisaje el sentimiento y a historia
Italia y el cine no mueren tan fácilmente
es como un lobo que cuando vuelves a verlo
te acompaña
para enseñarte que mirar es contemplar el arte
de las miradas a través de un lente invisible
para un alma buena de Se-Chuan
que vino a enamorarte
al tiempo que biblia es espejo
y neorrealismo pos-moderno
domingo, 24 de mayo de 2020
Only Lovers Left Alive (Jim Jarmusch, 2013)
Me cuido del análisis
que vaya a estropear su encanto
el cine lo puede todo cuando hay sensibilidad
Es mundo, es universo, es juego
ser humano, arte, filosofía y ciencia
goticisismo romántico
y sobre todo ese amor por el cine
que solo los amantes pueden perdurar
sábado, 16 de mayo de 2020
The Bad and the Beautiful (Vincente Minelli, 1952)
Mamushka
genialidad ingeniería
tal vez cueste percibirla
en su inmensa dimensión
musical en su estructura
las grúas bailan
el drama avanza en tres recuerdos
para volverse uno en el final
en el sistema de estudios
retratar la mezquindad
ver a Scorsese y a otros
que supieron admirar
como pintó Goya a los reyes
mostrando la oscuridad
lo incomprendido va madurando
en el pasar de la cinta
y en nosotres con el paso de lo días
por esto de ver en el interior del crear
lo que muchas veces no vemos
a la hora de espectar
mirar es romper prejuicios
trascender nuestras fronteras
y luego de que eso pasa
volver a enseñarme el amar
lunes, 11 de mayo de 2020
Olmo and the Seagull (Petra Costa & Lea Glob, 2015)
Vida y teatro
conflicto interior
secuencia de vida
cuarta pared
vivir y filmar
ficcionar y exhibir la ficción
para potenciar el documento
archivo y biografía
universaliación del drama
en la personalísima vida
desprejuicio de la intimidad
amor y encanto
final cuando algo nace
el lugar de una mujer
que filma y que actúa
y que es punto de vista
virtud de un cine espontáneo
sensible
construido con paciencia
y poesía cotidiana
jueves, 7 de mayo de 2020
Frances Ha (Noah Baumbauch, 2012)
Volvió el blanco y negro a tener color
ella vive el amor
y con ella hacen
una película sensible
donde el conflicto es lo aparente
lo no dicho en personajes que no paran de decir
lo cotidiano avanza hasta envolvernos
la narrativa resiste lo moderno
y lo moderno se hace un hueco para entrar como colado
Baumbauch filma más que como autor
como cineasta adaptado a la voz de una película
en un procedimiento misterioso
que supieron guionar
sin hacer rígida la historia
una belleza ese final
jueves, 30 de abril de 2020
The Meyerowitz Stories (Noah Baumbach, 2017)
Nada más noble que una comedia sensible
con sus livianos y hondos puntos de drama
a la posteridad de Woody Allen neoyorkino
cada vez más autoral Noah Baumbach
me enseña en la saturación del diálogo
los cortes bruscos
el elitismo de una clase
la complejidad de las relaciones familiares
donde se puede reír para ver lo terrible
lo que duele
y determina
en esa ligazón
que parece tan difícil soltar
para ser lo que se es
y en el privilegio de mirar
actuaciones formidables
domingo, 26 de abril de 2020
Mr. Roosvelt (Nöel Wells, 2017)
Sensibilidad femenina
-¿qué será que esto significa?-
apropiada para los que queremos rotar puntos de vista
la sencillez y la comedia que también nos hace falta
es posible un cine más liviano
donde la forma fílmica sea funcional
donde los cuerpos no sean hegemónicos
donde florezcan otras sutilezas
de crítica sutil
porque la pretensión queda a un lado
y te permite un rato de película
con otra sensibilidad,
en realidad una película
que puede aparentar una cosa
pero está afortunadamente
un poquito más corrida.
Lo inofensivo
también puede ser cine
miércoles, 22 de abril de 2020
Night Moves (Kelly Reichardt, 2013)
La tan agradecida decisión en cada plano
ella elige
una represa desbordante
una banda sonora para acompañar silencios
un plan que destruye
en todos los sentidos del destruir
una mirada intensionada
que observa siempre
a través de intermediarios
pantallas
espejos
marcos
ventanas
con personajes refugiados del mundo que se construyen
también se refugian de nosotros
el espíritu de la cinta
se debate
entre el hacer lo que se siente
y el cataclismo
el miedo al arrepentimiento
a destruir algo que en realidad ya está destruido
a buscar afuera una salvación
que hay que encontrar adentro
en esa humanidad que contraataca
para no aceptar ninguna luz
una película que bien puede estudiarse
en la reflexión del plano con que abre
y con el que decide cerrar
un trabajo fino y contundente
para quienes amamos las historias
El país sin indios (Leonadrdo Rodríguez & Nicolás Soto, 2019))
A desmitificar el mito
a decir en el silencio
del contraste del montaje
en cada secuencia un corazón escondido
en cada foto un homenaje a la belleza de esta tierra
la sabiduría tapada
la arqueología del cine
la hipocresía política
la tosquedad del hombre blanco
la documentación como herramienta
visibilizar para decir
sin perder el amor ritual
el gen que somos
la poesía de este paisaje
que también nos pertenece
miércoles, 8 de abril de 2020
Unagi (Shôhei Imamura, 1997)
Como si el amor perdurara en la crueldad
y su cine se hiciera del exquisito detalle
Imamura sabe que sonido, movimiento, luz y encuadre
son elementos a la par jerárquicos...
cualquier asesino puede tener su nobleza
aunque no todos los asesinos la tengan
el cine es metáfora ensoñada
un universo de emociones nada con una anguila
y la narración es tan precisa y heredada
como de Ozu o Kurosawa
es tan paciente y calma
que no hay violencia que pueda alterar lo austero
como si Bresson no supiera que lo austero es contundencia
lo mismo sucede aquí
al otro lado del oriente
en un pueblito desolado
nadie nos deja solos
más bien nos hace sentir acompañados
lo justo y necesario para quien pretende redimirse con justicia
lo bello y lo triste tan habitual en Japón
lo simple pero tan difícil
el prodigio
el arte del cine
la permanente espiación
la fidelidad de un amigo
nos promete y cumple siempre con su palabra.
Una vez más renace el cine
martes, 7 de abril de 2020
El Acto en Cuestión (Alejandro Agresti, 1993)
Puesta en escena a lo Wells
un Citizen Kane argentino
sátira de un país
que no regala un fotograma
valiente por su riesgo
protagonista que no construye empatía
sino en su final
filosofía de trasfondo
cada secuencia un mundo
formalidad fílmica
formalidad fílmica
formalidad fílmica
latinoamerica arriesga
con capital europeo
la mano artesana de Meliés
película de cinefilia
apta para todo público
joyita que retrata el machismo y la neurosis
dejemos que nos lleve a donde quiera y de una vez
Toivon tuolla puolen (Aki Kaurismäki, 2017)
Esta película se parece mucho a Kaurismaki
es seria en su sentido del humor
es humorística en su seriedad
es desoladora en cada plano
es directo al grano
porque importan las consecuencias
es ingeniería en los detalles del guión
es irónica y ácida por coletazo
es mucho más de lo que parece
es un puerto vacío
con una bahía de grandiosa profunidad,
es Kaurismaki una vez más
viernes, 27 de marzo de 2020
Richard Jewell (Clint Eastwood, 2019)
¿Hay en estos momentos
un director americano
que sea tan sensible,
que cargue sobre sus hombros tanto cine
que mire y sepa mirar
que atraviese las emociones reales
y que sea tan humano como la misma humanidad
inhumana de la sociedad en la que vive
sin dejar de ser ficción?
miércoles, 25 de marzo de 2020
Rocketman (Dexter Fletcher, 2019)
Se puede ser
extraño
pop
artista elevado
performer
humano
herido
y todo al mismo tiempo;
como las publicidades
también funcionan
y fluyen
los entretenidos musicales.
Si para Elton es importante
entonces la miramos
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